一瞬の衝撃ではなく、静けさの中から生まれる恐怖。 ヨハネス・ロバーツ監督は、そんな“見えない怖さ”を武器に世界中の映画ファンを魅了してきました。 『海底47m』シリーズや『バイオハザード：ウェルカム・トゥ・ラクーンシティ』など、息を呑むような緊張感の中で、 彼は派手なCGやジャンプスケアに頼らず、音と光と構図だけで観客を恐怖へと導きます。 それはまるで、観ている私たち自身の「想像力」を刺激する心理的ホラー体験。
本記事では、そんなヨハネス・ロバーツ監督の魅力を、主要作品を中心にわかりやすく紹介します。 ホラー映画をあまり観ない方でも楽しめるよう、作品の背景や見どころを丁寧に解説。 彼の作品に通じるテーマである 「閉ざされた空間」「人間の絆」「静寂の緊張」 に焦点を当て、 “なぜ彼の映画が怖いのに美しいのか”をひも解いていきます。🌌
この記事を読み終えるころには、きっとあなたもヨハネス・ロバーツ監督の映画を “ただのホラー”ではなく、“人間ドラマとしてのサバイバル”として見られるようになるはずです。 さあ、静けさの奥に潜む恐怖の世界へ──。
🧟♂️ バイオハザード：ウェルカム・トゥ・ラクーンシティ（2021年）
人気ゲームの原点を忠実に再現。暗闇と静寂でじわじわ迫るホラー演出が光る。
🌊 海底47m（2017年）
水中47メートルの恐怖。逃げ場のない空間と静かな絶望を描いたサバイバルスリラー。
🏺 海底47m 古代マヤの死の迷宮（2019年）
シリーズ第2弾。マヤ遺跡を舞台に、幻想と恐怖が入り混じる新たなサバイバル。
🎭 ストレンジャーズ 地獄からの訪問者（2018年）
静けさと暗闇を武器にしたホーム・インベージョンホラー。音と距離で生まれる恐怖。
🕯️ アザーサイド 死者の扉（2016年）
母と子の愛が禁忌を呼び覚ます。死者と生者をつなぐ“扉”を巡るスピリチュアルホラー。
🎬 ヨハネス・ロバーツ監督とは
ヨハネス・ロバーツ（Johannes Roberts）は、イギリス出身の映画監督で、ホラーやサスペンスの分野で注目を集めているクリエイターです。彼の作品は、派手な恐怖演出よりも「緊張感」と「人間の心理」を重視する点が特徴で、観客に“その場に閉じ込められたような感覚”を与えます。 派手な血の演出よりも、「静けさの中に潜む怖さ」や「見えないものへの恐怖」を描くタイプで、見る人の想像力を刺激します。📽️
ロバーツ監督は学生時代から自主制作ホラー映画を撮り始め、2000年代前半には小規模なスリラー作品で監督デビューを果たしました。当初は限られた予算で撮影し、照明や音の使い方で恐怖を演出する手法を磨いていきました。 その後、2016年の『アザーサイド 死者の扉』で国際的な注目を浴び、ハリウッドからも声がかかるようになります。この作品では、“死者の世界と繋がる扉”という題材を通して、家族愛と喪失の恐怖を描き出しました。
彼の名を一気に知らしめたのが、2017年の『海底47m』です。 水中という“逃げ場のない環境”を舞台に、酸素が減っていく恐怖や、視界の悪さによる不安をリアルに描いたことで話題になりました。CGに頼りすぎず、自然光と音の使い方で臨場感を高めた演出は、多くの評論家から高評価を得ました。 続編『海底47m 古代マヤの死の迷宮』ではさらにスケールを拡大し、閉鎖空間サスペンスの名手としての地位を確立しています。
2021年には世界的ゲームシリーズを原作とした『バイオハザード：ウェルカム・トゥ・ラクーンシティ』の監督に抜擢されました。 彼はこの作品で、アクション中心だった従来シリーズとは異なり、原作ゲームのホラー要素を忠実に再現。薄暗い館、雨に濡れた街、聞こえる足音…といった細部までこだわり、ファンの間でも「原点回帰」として高く評価されました。 一方で、派手さよりも雰囲気を重視した構成は好みが分かれましたが、それこそが彼の作家性でもあります。
ロバーツ監督の作品には、いくつかの共通点があります。 ひとつは「閉ざされた空間での極限状況」を描くこと。登場人物が逃げ場を失い、精神的に追い詰められていく中で、観客も同じ恐怖を体験します。 もうひとつは、音と暗闇の使い方。静寂の中に突然響く音、光が当たらない場所に潜む影など、「見えないもの」への不安を巧みに演出します。 また、キャラクターを単なる被害者として描くのではなく、「恐怖とどう向き合うか」というテーマ性も作品に深く根づいています。
近年ではサバイバル・スリラーからファンタジーや心理ドラマにも興味を広げており、「恐怖の中に人間ドラマを描く監督」として評価されています。 次章では、そんなロバーツ監督の持ち味に焦点を当て、なぜ彼の映画が世界中で支持されているのかを詳しく掘り下げていきます。🎬✨
🎥 監督の持ち味
ヨハネス・ロバーツ監督の最大の魅力は、単なるホラー演出にとどまらない「心理的リアリティ」にあります。 彼の映画は「怖がらせる」ことを目的にしているのではなく、観客を登場人物と同じ立場に置くことで、自然に恐怖を感じさせる構造になっています。 つまり、音や照明、カメラワークによって「逃げ場のない息苦しさ」を生み出し、観る人が“自分もその場所にいるような錯覚”を味わうのです。😱
ロバーツ監督の映画では、地下、水中、夜の建物など、逃げ場がない場所がしばしば舞台になります。 『海底47m』シリーズでは、水の中という制約を最大限に利用して「酸素が尽きる恐怖」「見えない何かが迫る恐怖」を生み出しました。 また『ストレンジャーズ 地獄からの訪問者』では、暗闇の中で得体の知れない人物がゆっくりと近づく──そんな“何も起きていないのに怖い”時間を巧みに描いています。 この「沈黙の演出」は、派手な映像以上に観客の想像力を刺激するのです。
彼の作品では音が“もう一人の登場人物”のように働くことがあります。 例えば静寂の中で聞こえる水滴の音、遠くの足音、壁の向こうから響くかすかな声──それらが恐怖をじわじわと膨らませます。 また、照明の配置にもこだわりがあり、暗闇と光の境界線を使って「見える／見えない」の緊張を演出します。 この手法は、彼がインタビューで「ホラーとはカメラをどこに置くかの芸術だ」と語ったことにも通じます。📷
ロバーツ監督の作品では、恐怖の中心に「人間関係」が置かれています。 『アザーサイド 死者の扉』では母と子の絆が、 『バイオハザード：ウェルカム・トゥ・ラクーンシティ』では人々の「守る／裏切る」という選択が物語を動かします。 恐怖を単なるショックではなく、人間の弱さ・優しさ・罪悪感を浮かび上がらせる手段として描くのが、彼の最大の持ち味です。 観客は驚かされるだけでなく、「自分だったらどうするだろう」と考えさせられるのです。
ロバーツ監督は「一気に怖がらせる」よりも、少しずつ不安を積み上げていく構成を好みます。 最初は違和感、次に小さなトラブル、そして逃げられない状況──と段階的に緊張を高め、観客の心拍数をコントロールするのです。 そのため、観終わった後も静かな不安が残ることが多く、「余韻のあるホラー」と評されることも。 これは彼が「恐怖は一瞬ではなく、空気に染み込むもの」と考えているからです。
カメラの動きや構図にも、観客を登場人物の目線に引き込む工夫があります。 主観的なカット（視界が狭い構図）を多用することで、「自分がその場にいる」没入感を生み出します。 これはVR的な臨場感に近く、映画館での体験を強めてくれるポイントです。 特に『バイオハザード：ウェルカム・トゥ・ラクーンシティ』では、ライトの照らす範囲だけが視界になる演出が話題になりました。
ヨハネス・ロバーツ監督の持ち味は、「閉鎖空間 × 音 × 心理」の三位一体構成。 その恐怖は、ジャンプスケア（突然驚かせるタイプ）ではなく、じわじわと体に染み込むタイプの怖さです。 一見地味に見えても、見終わった後に「自分の部屋が少し怖くなる」ような余韻を残します。 だからこそ、ホラーが苦手な人にも入りやすく、映画の構造そのものを楽しめる監督なのです。
次章では、そんなロバーツ監督の代表作のひとつ『バイオハザード：ウェルカム・トゥ・ラクーンシティ』を取り上げ、 彼の演出がどのようにシリーズを“原点回帰”させたのかを詳しく見ていきます。🧟♀️🎬
🧟♂️ バイオハザード：ウェルカム・トゥ・ラクーンシティ（2021年）
本作は、世界的ホラーゲームの「原点の空気」に立ち返った実写映画です。 ヨハネス・ロバーツ監督は、ド派手なアクションよりも暗がり・音・狭い通路といった“じわじわ来る怖さ”を中心に据え、観客をライトの届く範囲だけが世界に感じられるよう設計。 ゲームでおなじみの舞台やキャラクターを丁寧に配置して、シリーズ未経験でもわかる導線をつくりつつ、ファンがニヤリとする小道具や場面の再現も織り込みます。ネタバレは避けつつ、公式説明に沿う形でざっくり世界観を紹介します。
舞台は、巨大企業アンブレラ社の拠点があるラクーンシティ。かつては活気に満ちていましたが、今は衰退し、不穏な噂が広がっています。 ある夜、市内と郊外で一連の異常な事件が発生。警察署に集まった若い隊員や来訪者たちは、原因不明の混乱に巻き込まれ、やがて古い洋館と市街地という二つの場所で、それぞれ危機に直面します。 通信は途切れがち、頼れるのは手元のライトとわずかな弾薬。彼らは夜が明けるまで生き延びるため、真相に近づいていきます──。
ロバーツ監督の強みである暗闇・静寂・閉鎖空間が前面に出ています。 廊下の先が見えない、遠くで何かが軋む──そんな小さな違和感を積み重ね、観客の想像力を刺激。 大人数の銃撃戦よりも、数メートル先が怖いと感じさせる演出が続き、ゲーム初期作のドキドキを映画的に再現しています。
人物紹介や場所の役割が明快で、ゲームを知らなくても「誰が何を目指しているか」が掴みやすい構成。 小さな目標（鍵・通路・連絡手段）をクリアしていく進行は、“映画版の探索パート”のように理解できます。 ホラーが苦手でも、驚かせ続けるだけでなく状況整理の時間が挟まるので、置いていかれにくいのが親切です。
洋館や署内の装飾、ガラクタが積もった路地、雨に濡れた看板──質感のある美術が没入感を支えます。 ファン向けの“わかる人にはわかる”要素もありますが、知らなくても古びた場所がもつ怖さとして機能。 ロバーツ監督の“空気を撮る”センスが活きています。
ずっと怖いと疲れてしまうため、探索→遭遇→静かな準備というサイクルで緊張をコントロール。 急に大音量で驚かすだけでなく、「来るかも…来ない…やっぱり来た！」の時間差で心拍を上げます。 これがロバーツ流の“積み上げ型ホラー”です。
- 暗所での視聴がおすすめ：画面の光と影がはっきり見えて、怖さが増しつつも理解しやすくなります。
- “場所”に注目：洋館・警察署・路地など、場所ごとに役割が違うと見ると状況整理がラク。
- 音に耳を澄ます：遠くの足音や風の音は次の展開の合図。怖いけど、情報でもあります。
- ゲーム未経験でも大丈夫：人物同士の関係と「夜を生き延びる目的」さえ追えば楽しめます。
🌊 海底47m（2017年）
『海底47m』は、ヨハネス・ロバーツ監督の名前を世界に知らしめた代表作です。 物語の舞台は、青く静かな海の底──その美しさと恐怖が紙一重に交錯する場所。 監督はこの作品で、CGや派手な演出に頼らず、「逃げられない閉鎖空間」と「酸素が減っていく現実的な恐怖」を描き出しました。 いわゆる「サメ映画」でありながら、単なるモンスター作品ではなく、心理的サスペンスとして成立している点が高く評価されています。
休暇でメキシコを訪れた姉妹リサとケイトは、現地で人気の「ケージダイビング体験」に挑戦することに。 ところが、潜水中にケージを吊るしていたワイヤーが切れ、二人は深さ47メートルの海底へと落下してしまいます。 水圧・暗闇・減っていく酸素、そしてどこからか漂う影──彼女たちは助けを呼ぶ術もなく、生きて戻る方法を必死に探します。
水中という舞台は、叫んでも誰にも届かない環境。 ロバーツ監督はその特性を活かし、「音の少なさ」と「心音・呼吸音」で緊張を積み重ねます。 サメが現れなくても、ただ水の泡が流れるだけで不安が増していく──そんな沈黙のホラーを体験できるのがこの作品の醍醐味です。
撮影は実際の水槽で行われ、俳優は長時間潜水状態で演技を行いました。 そのため、目の動き・息の詰まり・光の揺らぎなどが現実そのもの。 恐怖を「見せる」よりも、「感じさせる」ことを狙った映像美が際立っています。 まるで自分も酸素マスクの内側にいるような圧迫感が、映画全体を支配します。
危機の中心にあるのは、サメではなく姉妹の関係性。 監督はインタビューで「彼女たちは海ではなく自分の心と戦っている」と述べており、 極限状態の中で“自分を責める心”や“信頼を試される瞬間”を描いています。 このヒューマンドラマの要素があることで、ただのスリラーにとどまらない深みが生まれています。
水中の光は、時間とともにゆっくり色を変えていきます。 青から黒へ、希望から絶望へ──。 ロバーツ監督はこの光の変化を物語とリンクさせ、時間の流れと心理の沈みを視覚的に表現しています。 特に、懐中ライトの光だけで進むシーンは、彼の演出センスが最も発揮される瞬間です。
🏺 海底47m 古代マヤの死の迷宮（2019年）
『海底47m 古代マヤの死の迷宮』は、前作の緊張感をそのままに、舞台を海底の遺跡群へと拡張したスリラー作品です。 監督ヨハネス・ロバーツは、単なる続編ではなく、“シリーズの世界観を拡張する実験”としてこの映画を構築しました。 海の静寂と古代文明の神秘が交わる場所で、観客は再び「逃げ場のない世界」に引き込まれます。 本作は前作と登場人物が異なり、物語的なつながりはありませんが、テーマは共通しています──それは“見えない恐怖と、生き抜く意思”です。
メキシコの田舎町で学生生活を送る4人の少女が、休暇中に未発掘のマヤ遺跡が眠る洞窟へ潜ることになります。 しかし、潜水途中に崩落が起こり、彼女たちは出口を失った水中遺跡に閉じ込められてしまう。 そこには、闇に順応した奇怪な生物が棲みつき、酸素残量は減っていく──。 恐怖と美しさが同居する“死の迷宮”で、彼女たちは生き延びるための最後の選択を迫られます。
ロバーツ監督は、単調になりがちな水中シーンに「文化的背景」を加えることで、新鮮な映像体験を生み出しました。 石像や祭壇、壁画などの遺跡要素が登場し、ホラーとアドベンチャーの中間のような雰囲気に。 水中に漂う砂塵や光の屈折が幻想的で、まるで夢と悪夢の境界を泳いでいるような感覚を味わえます。
本作は前作の“姉妹の絆”から一転、仲間同士の信頼と衝突をテーマにしています。 友情・嫉妬・リーダーシップ──極限状態でそれらがどう変化するかを描き、 キャラクターの個性がしっかりと描かれているため、誰か1人を応援したくなる構成です。 ロバーツ監督は恐怖を「人間関係の鏡」として用い、感情の揺れを通して観客に緊張を伝えます。
本作の恐怖は、敵ではなく「見えない空間」そのものにあります。 マスク越しに見える視野は限られ、ライトの光が届く範囲しか状況を把握できない。 観客も登場人物と同じく、「次の一歩が怖い」感覚を味わうことになります。 まるで映画が観客を“共犯者”にするような没入演出が、ロバーツ監督らしい巧さです。
前作では“沈黙”が恐怖を支配していましたが、本作では音響の立体感が進化しています。 低音のうねりや、酸素ボンベの金属音、遠くから響く水流音などが組み合わさり、 観客の身体感覚に訴えかける構成になっています。 また、CGの使い方もより自然で、海水の揺らぎや光の屈折がリアルに表現されています。
🎭 ストレンジャーズ 地獄からの訪問者（2018年）
『ストレンジャーズ 地獄からの訪問者』は、「知らない誰かが、理由もなく、こちら側に踏み込んでくる」という原初的な恐怖を扱った一作です。 監督ヨハネス・ロバーツは、派手な血しぶきや説明的な台詞を控え、暗闇・足音・間（ま）で恐怖を増幅させます。 舞台は人気のないトレーラーパーク。夜の静けさの中で、家族の小さな不穏と、正体不明の来訪者がゆっくりと交差していきます。 ネタバレを避け、公式の紹介に沿った前提だけをまとめます。
ある家族が、とある事情で一時的に滞在することになった郊外のトレーラーパーク。 夜更け、ドアを“コン、コン”と叩く音がする──訪ねてきたのは、顔を隠した見知らぬ者たち。 彼らは目的を語らず、ただ扉の外に立ち続ける。次第に照明が消え、通信は途絶え、逃げ場は狭まっていく。 家族は互いを信じながら、この夜を生き延びる方法を探し始めます。
ロバーツ監督の持ち味である暗闇と静寂が、ここでも中心にあります。 カメラは必要以上に犯人を追いません。廊下の角、カーテンの向こう、ライトの外側──映っていない領域こそが恐怖の主役。 観客は「いるかもしれない」という想像の中で息を詰め、何も起きない数秒すら怖くなっていきます。
本作は派手な追いかけっこよりも、距離が縮むだけの演出で心拍を上げます。 遠くに立つ人影、点いたり消えたりする照明。一歩ずつ詰められるだけで、身体が固まる。 逃げ場のない空間設計と、カメラの粘りが、観客を当事者の視点に固定していきます。
事件の“外側”には、家族のすれ違いという日常的なテーマが置かれています。 価値観の衝突、未消化の怒り、それでも守りたい気持ち──そうした心理が危機でむき出しになります。 ロバーツ監督は恐怖を単なる見世物にせず、人間の選択が緊張を生むよう配置。 だからこそ、突然の静寂や小さな決断が、のちの展開の重さに繋がっていくのです。
何かが起きる前触れとして、音の手がかりが丁寧に配置されています。 ノック音、足音、換気の唸り、遠くの音楽──それらが小さな地図となり、観客は次の危険を予感。 驚かせるための大音量ではなく、「気づいた人だけが気づく」小音量で緊張を積み重ねます。
- 明かりを落として視聴：暗部の情報が見やすく、意図した怖さが伝わりやすくなります。
- “どこに立っているか”を意識：画面の端や背景の奥に注目。気配に早く気づけると楽しみ方が増えます。
- 音は手がかり：ノックや足音は次の出来事の予報。怖いけど耳を澄ますのがポイント。
- 理由探しに固執しない：本作の怖さは「説明の外側」にあります。分からなさを味わう姿勢でOK。
🕯️ アザーサイド 死者の扉（2016年）
『アザーサイド 死者の扉』は、ヨハネス・ロバーツ監督が国際的に注目を浴びるきっかけとなった作品です。 それまで低予算スリラーを中心に撮ってきた彼が、本作で初めて“死者の世界”という精神的な恐怖に挑みました。 舞台はインド。異国の文化と儀式を背景に、愛する者を失った母親の葛藤を描くという、非常に人間的なホラーです。 単なる幽霊映画ではなく、「悲しみが生み出す扉」というテーマを持った作品となっています。
息子を事故で亡くした母マリアは、深い喪失感に苦しむ日々を送っていた。 そんな中、彼女は地元の人々から“死者と一晩だけ話せる扉”の存在を知らされる。 その扉は、古びた寺院の奥深くにあり、特定の儀式を経なければ開けてはいけないと言われていた。 禁忌を破って扉を開けたマリアは、やがて「何か」が現実世界に入り込んでしまったことを知る──。
ロバーツ監督は、インドという文化的背景を利用し、死と再生に対する異なる価値観を描きました。 砂埃の舞う寺院、蝋燭の光、風に揺れる布──それらが織りなす幻想的な映像は、観る者を儀式の空気に引き込みます。 “恐怖”というよりも、どこか神聖で静かな時間が流れ、「死への敬意」すら感じさせます。
この映画の核心は、母親の「もう一度だけ会いたい」という切実な願いです。 扉を開く儀式は、観客にとっても痛みを伴う体験。 息子の声が聞こえた瞬間、安堵と恐怖が交錯し、“愛の行為が悲劇を招く”という皮肉が突きつけられます。 ロバーツ監督は、恐怖を感情から生み出すことで、ジャンルを超えた人間ドラマを完成させました。
光は本作で「生者と死者を隔てる境界」として機能しています。 扉の向こう側は薄明かりに包まれ、見えるようで見えない。 ロバーツ監督は懐中ライト、蝋燭、自然光を巧みに使い分け、観客に「覗いてはいけない世界」を覗かせます。 闇を恐怖ではなく“感情の深み”として使うのが、この監督の独自性です。
扉の向こうに広がる音──風、囁き、祈り。 ロバーツ監督はこの音を“見えない登場人物”として扱い、観客の想像力を引き出します。 特に、静寂の直後に響く足音や呼吸の演出は、本作の緊張を最大限に高めています。 それは恐怖というよりも、「もう戻れない領域」に足を踏み入れてしまったという感覚を生むのです。
🐒 最新作「おさるのベン」(原題：Primate)（2026年予定）
監督 ヨハネス・ロバーツ が手がける最新作「おさるのベン」（原題：Primate）は、彼のこれまでの“閉ざされた空間＋生き延びるサバイバル”という主題を、また新たな形で提示しようとする作品です。 本作では、家族または友人たちの休暇中に飼っていたチンパンジー（ベン）が、ある出来事をきっかけに暴走を始めるという設定が報じられています。 制作は2024年中に行われ、2025年9月に映画祭で初披露され、2026年の劇場公開が予定されています。 映画初心者にもわかりやすく言うと、「普段ペットとしてかわいがっていたおさるが、突然“こっち側”になる」という逆転の恐怖がテーマ。 彼のこれまでの作品の文脈を知っていれば、“逃げられない環境”に加えて“馴染みの存在が脅威になる”という二重の不安が生まれていることが見えてきます。
大学生のルーシーが故郷に戻り、家族や友人たちとともに、飼い猿「ベン」も連れて楽しげなプール・パーティーを計画します。 しかしその夜、ベンが何者かに噛まれ、次第に攻撃的に変貌。プール、家、そして夜のリゾート地で、友人たちは僅かな備えとそれぞれの勇気だけを頼りに、 “癒やしの休暇”から“猛獣の巣窟”へと変貌した場所で生き延びようとします。 監督自身もインタビューで〈“思っていた休暇が一瞬で悪夢になる”という恐怖〉を狙っていると語っており、彼の作風と近しいテーマが感じられます。
本作の鍵となるのは、「かわいいペット」が「脅威」に変わるという逆転構図です。 監督はこれまで、“逃げ場のない閉鎖空間”という舞台を得意としてきましたが、今回は“馴染んだ存在”までが恐怖に変貌することで、 観客の安心していた心を内側から揺さぶります。 見慣れたチンパンジーの姿がある瞬間から“異変”の象徴になっていくこの変化には、初心者でもハッとさせられる仕掛けがあります。
舞台設定にリゾートやプールといった“解放感のある場所”を選ぶことで、逆説的に「安全ではない」という期待を壊します。 監督のこれまでの作風を知る人なら、プールサイドの青い水・笑い声・夕陽の残照――それらが次第に不安の前兆として機能していく演出を楽しめるはず。 映画初心者にもおすすめなのは、明るいシーンほど“安心の罠”になり得るという点を意識して見ることです。
ロバーツ監督の特徴である「少しずつ不安を積み上げる演出」。 本作でも、初めは和やかに始まるパーティシーンから、徐々にベンの様子がおかしいと感じる違和感、次に行動の変化、そして逃げ場のない夜の展開――という構成が予想されます。 この“変化の積み重ね”を意識して観ると、襲撃の瞬間よりも「その前の静けさ」がいかに重要かがわかります。
- 最初の“あいさつ的なシーン”を意識する：笑顔が多い初期シーンほど、その後の変化が際立ちます。
- ベンの行動に注目：小さな仕草（猿のおもちゃを抱える、囲われたプールに動く影など）が変化の合図です。
- 明るい屋外シーンでも油断しない：青空の下でも“異変”が進行しているという逆説的な構成を楽しんで下さい。
- 説明されない部分を補う想像を楽しむ：理由がすべて語られない恐怖を、心の中で“あとから埋める”余白として味わえます。
🧩 共通するテーマは？
ヨハネス・ロバーツ監督の作品群を通して見えてくるのは、「恐怖を通して人間そのものを描く」という一貫したテーマです。 彼の映画は、どれもジャンルは違えど、最終的に問いかけるのは「人は極限状態でどう生きるか」という問題。 海底、水中、家、街、寺院──舞台は違っても、登場人物が直面するのは「外ではなく、自分の内側にある恐怖」なのです。
『海底47m』では水の中、『ストレンジャーズ』では暗闇のトレーラーパーク、 『バイオハザード：ウェルカム・トゥ・ラクーンシティ』では雨の街と館──どの作品も「逃げ場のない環境」が舞台です。 ロバーツ監督はその環境を使って、人間の本能（呼吸・恐怖・選択）を露わにし、観客に「もし自分なら？」と考えさせます。 彼にとって“閉鎖”とは、恐怖の舞台であると同時に、人間を試す実験室なのです。
ロバーツ作品における恐怖は、見せないことで生まれるのが特徴です。 サメ、侵入者、幽霊──どれも全貌を明かさず、観客の想像力を最大限に利用します。 これは“何が起きるか”ではなく、“いつ起きるか”に焦点を置いた恐怖の構築であり、 だからこそ、派手なCGに慣れた現代の観客にも「静かな恐怖」が刺さるのです。
ロバーツ監督は恐怖の中に人間ドラマを埋め込むことを忘れません。 『アザーサイド 死者の扉』の母と子、 『海底47m』の姉妹、 『ストレンジャーズ』の家族、 そして最新作『おさるのベン』の「人と動物」。 どの関係も、恐怖を通して“愛”や“信頼”のかたちが試されます。 その絆の揺らぎが、単なるホラーを超えた“生きる物語”に昇華しています。
ロバーツ監督は映像と音の職人でもあります。 明るさの変化、呼吸音、足音、金属音──すべてが登場人物の感情とリンクするよう設計されています。 光が当たる場所は希望、影の濃い場所は心の不安。 彼の映画を“絵画のように観る”と、その緻密な構成に気づくはずです。 派手なホラーではなく、静かなオーケストラのような演出が、独自の味わいを生んでいます。
ロバーツ監督の映画を見終わった後に残るのは、ただの恐怖ではありません。 「怖かった」で終わらず、「なぜ怖かったのか」「自分ならどうするか」という問いを観客に残します。 それは、彼が“恐怖”を人間の本質に迫るための手段と考えているからです。 死、生、孤独、赦し──これらのテーマを繊細に織り込みながら、エンタメとして成立させるバランス感覚が、彼の真骨頂です。
🎬 その他の活動と今後の展望
映画監督ヨハネス・ロバーツは、単にホラーやスリラー作品を撮るだけの監督ではありません。 彼は脚本家、プロデューサーとしても活動しており、映画制作の全工程に関わるタイプのクリエイターです。 作品の脚本を自ら執筆し、編集やサウンド設計にも積極的に意見を出すことで、「ロバーツらしい質感」を統一しています。 また、映画以外にも、テレビや配信向けの新しいプロジェクトに関わる動きが報じられています。
ロバーツ監督は初期のインディーズ作品から一貫して、自身で脚本を手がけています。 彼は「物語はカメラの前に立つ前から始まっている」と語り、映像の設計図を自ら描くことで、作品のトーンを保っています。 近年では他の監督や脚本家とのコラボレーションも増え、ジャンルの境界を超える試みが目立ちます。 例えば、心理スリラーと社会派テーマを融合させた新企画も進行中だとされています。
映画業界のデジタル化に伴い、ロバーツ監督もストリーミング向け作品の演出に関心を示しています。 一部では、NetflixやAmazon Prime向けの新シリーズ開発に関わっているとの報道も。 テーマは「都市伝説を現代社会に置き換えるホラー」や「極限状況での心理劇」などで、彼の強みがそのまま活かせる内容です。 映画の2時間という枠を越え、連続ドラマとして“緊張を持続させる物語”を描くことが次の挑戦になるでしょう。
2026年以降には、既に報じられている『おさるのベン（原題：Primate）』のほかにも、複数の企画が進行中です。 ひとつは、災害とパニックを組み合わせたリアルスリラー、もうひとつは、古典怪談を現代化した心理ホラー。 特に後者は「人間の心を舞台にした恐怖」を描く意欲作として注目されています。 ロバーツ監督は、「次は“見えないもの”ではなく、“見たくないもの”を描く」とコメントしており、 これまでの“静の恐怖”から、“直視せざるを得ない恐怖”への進化が期待されています。
ロバーツ監督は若手映画人の育成にも関心を寄せています。 イギリスやアメリカの映画学校で特別講義を行い、学生たちに「低予算でも緊張感を作る方法」「音と光の演出術」などを教える機会もあるそうです。 彼は“恐怖を撮ることは、感情を設計すること”と語り、映画を通して感情表現の可能性を広げようとしています。 若手監督たちにとって、彼の作品は“教科書のような映画”になりつつあります。